Kino we Wrocławiu (strona 3)

Shrek żył sobie szczęśliwie w swojej samotni na bagnach. Do czasu... Jego spokój został zakłócony inwazją dokuczliwych postaci z bajek wygnanych z królestwa przez złego Lorda Farquaada. Zdecydowany ocalić ich wszystkich, a przede wszystkim swój dom, Shrek porozumiewa się z Lordem i wyrusza na poszukiwanie pięknej Królewny Fiony mającej zostać żoną Farquaada. W niebezpiecznej misji towarzyszy mu przemądrzały osioł, który zrobi dla Shreka wszystko ... z jednym małym wyjątkiem - nie przestanie gadać! Ocalenie Królewny przed ziejącym ogniem smokiem okazuje się być niewielkim problemem. Na jaw bowiem wychodzi jej głęboko skrywany sekret.

Dwukrotnie nominowany do nagrody GRAMMY® globalny girlsband KATSEYE trafia na wielki ekran z wyjątkowym filmowym wydarzeniem poprzedzającym premierę ich trzeciej EP-ki WILD.KATSEYE: WILD HEARTS to fascynująca podróż do nowego, odważnego rozdziału w historii zespołu, a zarazem hołd dla fanów, którzy pomogli go stworzyć. Film zawiera nigdy wcześniej niepublikowane materiały, nagrania od fanów – EYEKONS – oraz szczere rozmowy z członkiniami grupy, ukazując niezwykłą więź łączącą KATSEYE z ich globalnym fandomem. To pełen emocji list miłosny do społeczności EYEKONS, dzięki której ten fenomen stał się rzeczywistością, i opowieść pokazująca, że historia KATSEYE dopiero się rozpoczyna.

Reporter na mundialu, ksiądz z dzielnicy slumsów, milioner, reżyser filmowy, neurotyczny intelektualista, prezydent elekt. Wszystkie te postaci, i kilka innych, łączy wcielający się w nie wybitny argentyński aktor Guillermo Francella w produkcji popularnego duetu Gastón Duprat i Mariano Cohn. Ich film podzielony jest na szesnaście epizodów, a każdy z nich, w satyrycznym tonie, odnosi się do dylematów i sprzeczności, z jakimi zmaga się współczesny człowiek. To opowieść o absurdach, hipokryzji klasy średniej i wyższej, ale również o międzyludzkich relacjach, słabościach oraz pragnieniach, co nadaje jej uniwersalnego charakteru. Bo odpowiedników kolejnych postaci, w których rolę wciela się Francella, szukać można pod każdą długością i szerokością geograficzną...

Podczas luksusowej gali charytatywnej spotykają się największe nazwiska ze świata filmu, biznesu i mediów. Wśród nich jest gwiazdor kina akcji Mike Tyler (Chris Evans), który próbuje odbudować swój wizerunek, oraz miliarder Ben Bracken (Vincent Cassel) z żoną (Salma Hayek), promujący kontrowersyjne przedsięwzięcie wydobywcze. Nieoczekiwanie atmosfera zmienia się jednak o 180 stopni, gdy na scenę wkracza Joan (Anya TaylorJoy) – charyzmatyczna przywódczyni grupy uzbrojonych aktywistów. Od tej pory luksusowy bankiet przeobrazi się w grę na śmierć i życie, podczas której celebryci zostaną zmuszeni do konfrontacji nie tylko z fanatyzmem napastników, ale też z własną hipokryzją i egoizmem. Scenarzysta hitowego serialu „Sukcesja” Will Arbery i jeden z najbardziej bezkompromisowych europejskich twórców, reżyser Romain Gavras, przedstawiają bezczelną satyrę na współczesny świat celebrytów, polityki i ekologii. „Bogaci i martwi” zachwycają gwiazdorską obsadą – w filmie wystąpiła nominowana do Złotego Globu gwiazda „Furiosy” Anya Tylor-Joy, znany z hitu „Kapitan Ameryka” Chris Evans, nominowana do Oscara Salma Hayek, nominowany do Oscara John Malkovich, idol francuskiego kina Vincent Cassel oraz jedna z najbardziej wpływowych artystek sceny muzycznej Charlie XCX. Za produkcję odpowiadają m.in. Giorgos Karnavas, twórca nagrodzonego Złotą Palmą w Cannes i nominowanego do Oscara „W trójkącie” oraz Klaudia Śmieja-Rostworowska - twórczyni nagrodzonego Złotymi Lwami w Gdyni „Silent Twins”. Film miał światową premierę na prestiżowym Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Toronto.

Niegdyś zakazana przez brazylijską dyktaturę, a teraz odrestaurowana w oszałamiającej jakości 4K – „Nowa fala” to anarchistyczna komedia erotyczna, która pulsuje pożądaniem, buntem i sportową pasją. W świecie, w którym kobiecy futbol był skandalem, a queerowa wolność – aktem rewolucji, młode piłkarki z Gayvotas Football Club muszą zmierzyć się z konserwatywnym społeczeństwem, rodzinnymi konfliktami i własnymi pragnieniami. Wspierane przez czołowe postacie brazylijskiej walki o demokrację, przygotowują się do symbolicznego, międzynarodowego meczu – sportowego i egzystencjalnego starcia o prawo do bycia sobą. Film został w całości ocenzurowany za swoją „niemoralność”, ale jego bezkompromisowy przekaz zyskał z czasem kultowy status. Dziś, odkryty na nowo, błyszczy jako jedno z pierwszych brazylijskich dzieł otwarcie podejmujących tematykę LGBT+, w którym pragnienie staje się siłą napędową bohaterek i samej narracji. „Nowa fala” wraca, by znów porwać widzów swoją energią, odwagą i prowokacyjnym urokiem.

„Ojczyzna" opowiada o relacji między Thomasem Mannem (Hanns Zischler), laureatem Nagrody Nobla w dziedzinie literatury, a jego córką Eriką (Sandra Hüller) – aktorką i pisarką. Akcja rozgrywa się w szczytowym okresie zimnej wojny. Ojciec i córka wyruszają w trudną, pełną emocji podróż czarnym Buickiem przez zrujnowane Niemcy – z Frankfurtu pod kontrolą amerykańską do Weimaru pod wpływem sowieckim. Po raz pierwszy od zakończenia wojny Mann wraca do swojej ojczyzny, po tym jak podjął wcześniej trudną decyzję o emigracji do Stanów Zjednoczonych.

Show „Niech żyje Maastricht!” to radosny hołd dla rodzinnego miasta Maestra, w którym wszystko się zaczęło. Wiele lat temu André Rieu i jego Orkiestra Johanna Straussa po raz pierwszy wystąpili na Vrijthof. Średniowieczny plac zamienił się wtedy w lśniącą salę balową na świeżym powietrzu. Publiczność wysłuchała pierwszego tego typu koncertu, a wszystko pod letnim niebem, usianym migoczącymi gwiazdami. Sukces był niebywały, tym bardziej że całość była retransmitowana do kin. Teraz walc „Nad pięknym modrym Dunajem” i „Marsz Radetzky’ego” zabrzmią dla publiczności na całym świecie po raz dwudziesty. Król Walca? André Rieu to król rock’n’rolla? Złote skrzypce z 1667 roku czy rockandrollowe „Tutti Frutti” Little Richarda? A dlaczego nie jedno i drugie?! Dla André Rieu nie ma muzycznych granic. Maestro od lat powtarza, że nie wierzy w podział na muzykę poważną i rozrywkową. Dobra melodia to po prostu taka, która trafia prosto w serce i porywa do tańca. Kiedy Orkiestra Johanna Straussa uderza w pierwsze nuty gitarowego hitu, klasyczny koncert zamienia się w rockową prywatkę. Przy tych dźwiękach nie da się stać obojętnie! Nawet Maestro nie może usiedzieć w miejscu! Z uśmiechem na twarzy płynie po scenie tanecznym krokiem, a jego niesamowita energia błyskawicznie udziela się widowni. W ułamku sekundy serce Maastricht zaczyna pulsować w rytmie lat 50. Pary ruszają w tan. Ktoś tańczy twista. Ktoś udaje, że gra na gitarze. Tłum szaleje. To jest właśnie ta słynna, absolutnie niepodrabialna wolność koncertów Króla Walca. Można się wzrus

Film „Kopnęłabym cię, gdybym mogła” wyprodukowany przez studio A24, z nagrodzoną na Berlinale 2025 kreacją Rose Byrne, to emocjonalny rollercoaster o kobiecie, która każdego dnia toczy walkę z rzeczywistością, rozpadającym się życiem i własnymi granicami wytrzymałości. Kiedy jej córka zapada na tajemniczą chorobę, a mąż znika w interesach, świat Lindy zaczyna się walić, zamieniając jej codzienność w bieg z przeszkodami, którego nie da się ukończyć. W bliskich kadrach o niesamowitej intensywności wizualnej film pulsuje napięciem i emocjami. Rose Byrne tworzy kreację na miarę Oscara, wykonując mistrzowski slalom między gniewem, rozpaczą, determinacją i szaleństwem. To realistyczny, przejmujący, a zarazem niepokojący portret kobiety, która w obliczu chaosu próbuje zachować resztki kontroli.

Pepa po odejściu męża próbuje ułożyć sobie życie od nowa. Gdy nic z tego nie wychodzi, sporządza zabójcze gazpacho.

Pokazywane w konkursie festiwalu w Cannes dzieło Richarda Linklatera to energetyczna i błyskotliwa podróż do czasów narodzin francuskiej Nowej Fali. Reżyser, jeden z najważniejszych twórców amerykańskiego kina niezależnego, składa hołd Godardowi i całemu pokoleniu artystów, którzy odmienili oblicze światowego kina. "Nowa Fala" to film o pasji, wolności twórczej i odwadze marzenia inaczej. Z niezwykłą lekkością i humorem pokazuje artystę w momencie, gdy rodzi się dzieło, a kino staje się przestrzenią buntu i młodzieńczej energii.

Melodramat „Bestia” z 1917 roku, wyreżyserowany przez Aleksandra Hertza to jedyny zachowany w całości film z Polą Negri nakręcony w Polsce. Główna bohaterka Pola Basznikow, to postać niejednoznaczna – sprytna, zdeterminowana, dzięki sile charakteru łamiąca standardy kobiecości epoki. Z drugiej strony Pola zdradza, pije i okrada, niczym klasyczny sympathetic villain. Choć przedstawia się ją jako antybohatera, to nie sposób jej nie kibicować. Podczas wieczornego seansu pod chmurką, połączymy klasykę filmów niemych z eksperymentalnym charakterem muzyki na żywo. Poli towarzyszyć będą dźwięki improwizacji elektronicznej, akordeon i śpiew. Muzyka uwspółcześni odbiór dzieła, nadając mu odważną, feministyczną formę. KIEDY? Piątek, 21 sierpnia o godzinie 21:00 GDZIE? Przestrzeń za budynkiem schronu | Plac Strzegomski 2 Wstęp bezpłatny! Muzyka: Wojciech Pukaluk – kompozytor, performer i producentem muzyczny. Stworzył 2 solowe płyty z muzyką filmową oraz setki seansów z muzyką na żywo. Grałem do filmów niemych na prestiżowych festiwalach w Polsce (American Film Festival, Plus Camerimage) oraz na imprezach międzynarodowych m.in. Denver Film Festival, Batumi International Art-House Film Festival oraz podczas festiwalu filmowego kina niemego Pordenone Silent Film Festival. Jest zwycięzcą organizowanego przez Vivarto konkursu na najlepszą autorską muzykę do komedii „Generał” Bustera Keatona (2011) oraz laureatem I nagrody w konkursie taperskim festiwalu Muzyka na Plan w Tarnowskich Górach (2012).

Akcja filmu rozgrywa się w połowie XXI wieku, główną bohaterką jest Motoko Kusanagi, dowódca w tajnej organizacji Sekcja 9, specjalizującej się w zwalczaniu przestępczości wykorzystującej nowoczesne technologie. Kusanagi jest prawie całkiem zcyborgizowana, ludzki mózg w sztucznym ciele, zdolna do nadludzkich wyczynów. Film jest utrzymany w stylu cyberpunkowym, podobnie do cyklu Neuromancer, Graf Zero, Mona Liza Turbo Williama Gibsona, jednak skupia się bardziej na filozoficznych rozważaniach skutków połączenia człowieka i maszyny, wszechobecności sieci komputerowej i rozwoju sztucznej inteligencji, ze szczególnym uwzględnieniem tożsamości i niepowtarzalności człowieka. Kusanagi i jej koledzy stawiają czoła zarówno zewnętrznym zagrożeniom i zagadkom jak i wewnętrznym konfliktom dotyczącym ich tożsamości, bardziej maszynowej niż ludzkiej. Nadrzędny wątek mangi i jedyny filmu to pościg za cybernetycznym przestępcą zwanym Władcą Marionetek, którego rzeczywista tożsamość jest nieznana. Popełnia on wiele przestępstw połączonych wspólnym sposobem działania, określanym jako ghost hacking. Ghost hacking to przejęcie kontroli nad umysłem człowieka. W trakcie rozwiązywania zagadki Władcy Marionetek staje się jasne, że nie jest to zwykły przestępca, ale autonomiczny projekt sztucznej inteligencji, stworzony przez ten sam rząd, któremu służy Sekcja 9. Władca Marionetek wyrwał się na wolność, aby zdobyć prawdziwe ciało i ludzką tożsamość. Kusanagi, początkowo sceptyczna, ostatecznie zgadza się pozwolić Władcy Marionetek połączyć się z jej świadomością, dzieli się swoim ciałem, co ma bez wątpienia wzbudzić jeszcze więcej pytań co do natury człowieka w świecie, gdzie ludzka świadomość nie jest już unikatowa.

Dendelion, Baraban, Léonto i Taraxa to niezwykła rodzina wrażliwych, delikatnych i malutkich – a zarazem pełnych odwagi – dmuchawców, które zostają oddzielone od rośliny matki, gdy Ziemię dotyka katastrofa. Szczęśliwie uratowane z nuklearnej eksplozji, która zniszczyła ich raj, zostają rzucone w kosmos i wyruszają w magiczną, międzyplanetarną przygodę, by znaleźć nowy dom i osiedlić się w nim na stałe. Przemierzając gwiezdne konstelacje w poszukiwaniu nowego miejsca, trafiają na inne planety, poznają nowych przyjaciół, ale też napotykają niebezpieczeństwa ze strony stworzeń większych od siebie i tajemniczych, nieznanych żywiołów. Ten wyjątkowo kojący, chwytający za serce i fascynujący film animowany łączy oszałamiającą mikrofotografię natury z unikalną animacją. Pokazuje nam, że natura to coś więcej niż tło naszych działań, że wszystkie małe rzeczy wokół nas są ważne, że najmniejsze źdźbło trawy może wzruszyć do łez, a naszą siłą jest jedność ze wszystkimi stworzeniami i ochrona naszej planety. „Dmuchawce”, będące laureatem Nagrody FIPRESCI w Cannes i Specjalnego Wyróżnienia Jury w Annecy, wyprodukowane przez twórców „Mikrokosmosu”, z dźwiękiem Nicholasa Beckera (Oscar za „Sound of Metal”), jest idealną propozycją dla kinomanów czy miłośników natury. Niezwykła wizja natury od producentów "Mikrokosmosu".

Pewnego dnia Carl Fredricksen postanawia zrealizować marzenie swego życia i wyrusza w podróż do tajemniczej krainy w Ameryce Południowej. Nie byłoby w tym nic dziwnego, gdyby nie fakt, że Carl podróżuje we własnym domu unoszonym przez setki balonów, a w wyprawie przypadkowo towarzyszy mu pewien ośmiolatek. Jednak prawdziwe przygody zaczynają się dopiero po dotarciu na miejsce, gdzie dwóch podróżników spotyka dziwacznego ptaka i mówiącego ludzkim głosem psa.

Tym razem Dr Brown wylądował na Dzikim Zachodzie w roku 1885. Jednak po dziewięciu miesiącach pobytu został zastrzelony. Na pomoc rusza mu Marty, ale sam popada w kłopoty. Jedynym dla nich wyjściem jest powrót do przyszłości. Niestety nie jest to możliwe, bo wehikuł ma przebity bak...

Mistyczka to poruszająca, inspirowana prawdziwymi wydarzeniami historia kobiety, która odważyła się pójść za głosem serca i przekroczyć granicę tego, co znane. To opowieść o wewnętrznej przemianie, poszukiwaniu sensu egzystencji i niezwykłej drodze, która zaprowadziła Alicję Lenczewską do doświadczeń wykraczających poza materialną rzeczywistość. Przez lata Alicja Lenczewska prowadziła dynamiczne życie. Była wiernym członkiem partii komunistycznej i cenioną nauczycielką – wymagającą, odpowiedzialną i całkowicie oddaną swojej pracy. Uwielbiała zagraniczne podróże. Wydawało się, że jej przyszłość została już dawno napisana. Aż do dnia, w którym jedno spotkanie odmieniło wszystko... Wbrew sceptycyzmowi otoczenia i własnym lękom Alicja wkracza na ścieżkę głębokiego życia duchowego. Jej mistyczne zapiski pełne szczerości, nadziei i mądrości, z czasem trafiają do tysięcy ludzi szukających odpowiedzi na najważniejsze pytania o miłość, cierpienie, wiarę i sens życia.

Michel Poiccard (Jean-Paul Belmondo) to przystojny i zbuntowany młody mężczyzna. W Marsylii kradnie samochód, w schowku którego znajduje broń. To przy jej pomocy zabija policjanta. Udaje się do Paryża. Chłopak zdaje sobie sprawę, że zostało mu mało czasu. Za kilka godzin będzie najbardziej poszukiwanym człowiekiem w kraju. Nie przejmuje się tym jednak. Wciąż najbardziej skupia się na miłości do amerykańskich filmów i na romansie z Amerykanką Patricią, studentką Sorbony (Jean Seberg). Razem planują uciec do Włoch. Wcześniej Michel chce odebrać pieniądze od swojego dłużnika. Sytuacja komplikuje się, kiedy okazuje się, że dłużnik zniknął, a dziewczyna zachodzi w ciążę. Pozbawiony możliwości ucieczki Michel, czuje się coraz bardziej osaczony.

Mimo wojny życie szkolne w Ukrainie toczy się dalej – uczniowie i nauczyciele starają się kontynuować naukę nawet pod stałym zagrożeniem. Otwarte szkoły są próbą odtworzenia choćby części normalności sprzed 24 lutego 2022 roku (a w niektórych regionach – od 2014). Bez wywiadów, narracji i inscenizacji, TIMESTAMP ukazuje, jak wojna wpływa na codzienność uczniów i nauczycieli. Film ma mozaikową strukturę: pokazuje funkcjonowanie szkoły w trybie stacjonarnym i online, zarówno na froncie, jak i daleko od niego, jak codzienność splata się z nieustannym zagrożeniem. Szkoły wiejskie stają się symbolem odporności, gdzie nauczyciele i uczniowie wytrwale trwają w nadzwyczajnych warunkach. Dokument oferuje rzadki, intymny wgląd w to, jak wojna kształtuje doświadczenie edukacji – bez bezpośredniego pokazywania wojny. Słońce wciąż świeci, wokół widać niewiele zniszczeń, a jednak nieustanne zagrożenie jest wyczuwalne fizycznie i emocjonalnie. TIMESTAMP dokumentuje rok z życia uczniów i nauczycieli w stanie permanentnego kryzysu, podkreślając odwagę i odporność społeczeństwa, które rosyjska armia próbuje zniszczyć.

Zapraszamy serdecznie na wyjątkowe wydarzenie WAKACJE Z FILMEM, które odbędzie się 23 sierpnia o godzinie 18:00. Wspólnie przeniesiemy się do magicznego świata wyobraźni, oglądając na wielkim ekranie kultową "Akademię Pana Kleksa" z 1983 roku. Ta polsko-radziecka produkcja w reżyserii Krzysztofa Gradowskiego to ponadczasowa adaptacja klasycznej opowieści Jana Brzechwy, która wychowała już kilka pokoleń widzów. Film zachwyca niezapomnianą, pełną energii muzyką Andrzeja Korzyńskiego oraz genialną, barwną rolą Piotra Fronczewskiego jako ekscentrycznego profesora Ambrożego Kleksa. To pełna magii, kolorów i mądrych przesłań podróż do krainy dziecięcych marzeń, gdzie jedynym ograniczeniem jest nasza własna wyobraźnia. Wstęp na pokaz jest wolny, a dodatkowo dla każdego uczestnika przygotowaliśmy zdrowe przekąski gratis! Do zobaczenia! 

Wielki powrót skarpetek! Nietypowi bohaterzy bestsellerowych książek dla dzieci ponownie na wielkim ekranie w zupełnie nowych przygodach! Razem z nimi przebiegniemy cały świat, podbijemy Hollywood i sceny teatrów oraz zostaniemy prawdziwymi herosami! Czy skarpetka może zostać sławną aktorką, nagradzanym sportowcem, albo uratować komuś życie? Oczywiście, że tak! Jeżeli myśleliście, że miejsce skarpetek jest na naszych stopach i w szufladach, to jesteście w grubym błędzie! One też mają marzenia i kiedy tylko nadarza się okazja, żądne przygód, wyruszają w drogę. Historie, które przeżywają, są pokręcone i pełne niespodzianek. Niezależnie od trudności, jakie napotkają na swojej drodze – skarpetki zawsze są górą! Skarpetki powracają w kolejnej kinowej odsłonie inspirowanej bestsellerowymi książkami Justyny Bednarek i Daniela de Latoura.

François Ozon opowiada historię Meursaulta, skromnego, niepozornego urzędnika, którego codziennej rutyny nie przerywa nawet śmierć matki. Do czasu, gdy pewnego gorącego dnia na plaży dochodzi do tragicznego zdarzenia. Adaptacja Ozona, która miała premierę w Konkursie Głównym festiwalu w Wenecji, to niezwykle aktualna opowieść o poszukiwaniu sensu w świecie, w którym wszelki sens został zagubiony. Oszczędne dialogi i piękne czarno-białe zdjęcia, stanowiące hołd dla klasycznego kina, budują wyjątkową atmosferę filmu. W rolach głównych Benjamin Voisin („Stracone złudzenia”, „Lato ‘85”) oraz Rebecca Marder („Moja zbrodnia”).

Cypr, koniec XIX wieku. Malarka Eleni stara się wskrzesić swoje zmarłe dzieci, ale zamiast tego przez przypadek przyzywa Kallikantzari – złowrogie stworzenie z lokalnego folkloru, które będzie próbowało zniszczyć całą wioskę. Jeśli przywykliście do tego, że folk horror korzysta przede wszystkim z legend i podań anglosaskich lub słowiańskich, Motherwitch przyniesie Wam powiew gatunkowej świeżości. Zamiast wilgotnych lasów mamy bowiem do czynienia z nasłonecznioną, skalną wioską, a zamiast klasycznej wiedźmy – z potworem wyjętym prosto z greckiego i cypryjskiego folkloru. Pochodzący z Cypru reżyser Minos Papas ma przy tym podejście podobne do Roberta Eggersa – jego fabuła wychodzi z rozbudowanego researchu, a w swoim filmie stara się możliwie najbardziej realistycznie oddać świat XIX-wiecznych wierzeń i zwyczajów. Choć nie dysponuje budżetem takim jak reżyser Wikinga i Nosferatu , jego horror jest wyjątkowo konsekwentny, wciągający i imponujący wizualnie. A przy tym oferuje wgląd w świat, do którego w kinie grozy zazwyczaj nie mamy wstępu.

Czy wierzysz w miłość od pierwszego wejrzenia? W pociągu „Czerwona Ruta” jest ona nie tylko możliwa – jest wręcz nieunikniona. Czerwona ruta to bowiem ukraiński symbol prawdziwej miłości. W naszej historii ten symbol pomoże jednym odnaleźć prawdziwe uczucie, innym je ocalić, a jeszcze komuś zrozumieć, że miłość była tuż obok przez cały czas. 23 sierpnia były konduktor Mykoła Iwanowycz po raz pierwszy od przejścia na emeryturę wyrusza w podróż jako pasażer. Nie jest zachwycony wyjazdem do sanatorium, na który voucher podarowała mu córka, aż do chwili, gdy na dworcu dostrzega legendarny pociąg „Czerwona Ruta”, w którym przed laty rozpoczął swoją kolejarską karierę. To właśnie tam spotka dawnych znajomych i przeżyje nowe przygody. „Pociąg Czerwona Ruta” to romantyczny film, który na nowo interpretuje i uwspółcześnia jeden z najbardziej rozpoznawalnych symboli ukraińskiej kultury. Premiera filmu to wyjątkowe wydarzenie, wpisujące się w obchody kilku ważnych rocznic ukraińskiej kultury i historii: 55-lecia filmu-koncertu „Czerwona Ruta”, 56. rocznicy pierwszego wykonania legendarnej piosenki „Czerwona Ruta” oraz 35. rocznicy odzyskania przez Ukrainę niepodległości.

Na dnie jeziora jest dziura. To z niej pochodzą filmy. Młoda, utalentowana reżyserka Kris (Hannah Einbinder) dostaje od studia filmowego szansę życia – ma nakręcić remake kultowej serii horrorów Camp Miasma, która cieszyła się ogromną popularnością w latach osiemdziesiątych i dziewięćdziesiątych. Aby znaleźć inspirację, udaje się na spotkanie z Billy (Gillian Anderson), która grała główną rolę w pierwowzorze projektu. Wizyta u ekscentrycznej aktorki szybko przeradza się w coś więcej niż zwykły wywiad. Miłość, śmierć i dojrzewanie w Camp Miasma zadebiutowała na festiwalu w Cannes, gdzie szturmem zdobyła serca krytyków i widzów – a także prestiżową nominację w sekcji Un Certain Regard. Najnowszy film Jane Shoenbrun (twórcy docenianego W blasku ekranu) ma obecnie 100% pozytywnych recenzji na Rotten Tomatoes, a widzowie wychodzą z seansów zachwyceni. Choć film Shoenbrun opowiada o powstawaniu fikcyjnej serii horrorów, sam w sobie horrorem nie jest, a zaledwie czerpie z jego estetyki. To przepiękna pod względem wizualnym kinofilska uczta opowiadająca przede wszystkim o bezgranicznej miłości do kina. I o tym, jak ta miłość zmienia nasze życie. W centrum tej opowieści stoją dwie aktorki reprezentujące dwa różne pokolenia. Legendarna Gillian Anderson wciela się w rolę ekscentrycznej diwy, a znana z serialu „Hacks” Hannah Einbinder w niepewną swojej pozycji, ale utalentowaną reżyserkę. Razem tworzą najbardziej elektryzujący ekranowy duet tego roku.